Homens de Barro (Brasil/Argentina, 2025)

 

“Homens de Barro”, de Angelisa Stein, remete ao clássico de Shakespeare, Romeu e Julieta, só que, nessa versão contemporânea, ambientada no Rio Grande do Sul, os protagonistas são dois homens: Pássaro (Gui Mallmann) e Ângelo (João Pedro Prates), jovens que se conhecem desde a infância e desafiam a culpa e os próprios medos para viver um amor proibido, moldando assim o destino dos personagens.

A primeira parte, mostra os protagonistas quando crianças e a origem da rivalidade, ambos os pais eram donos de olarias, fabricando tijolos, o que explica o título e provoca desavenças com destinos trágicos. A trama aborda questões de desejo, culpa, rivalidade familiar e a busca por identidade em um contexto de preconceito e tradição.

Na segunda parte, o filme explora as tensões da velha rivalidade e a força de um amor que luta contra todas as adversidades. Pássaro e Ângelo mergulham em uma relação homoafetiva que desafia o preconceito, a hostilidade e os próprios ressentimentos herdados da inimizade entre os pais.

A fotografia do premiado Bruno Polidoro, de filmes como “5 Casas(2020)” e “A Nuvem Rosa(2021)”,  e a direção de arte de Pauliana Becker, apoiadas por uma trilha sonora que intensifica a atmosfera dramática, são pontos altos do filme, traçando um retrato visualmente expressivo do interior gaúcho, com seus rios e vegetação.

“O ambiente das olarias e as paisagens ajudaram a criar uma atmosfera atemporal, onde os conflitos familiares e os dilemas internos dos personagens encontram uma forte ressonância visual e emocional. Ao mesmo tempo, a inserção de elementos brasileiros e argentinos, tanto na trama quanto na produção, reforça a complexidade da narrativa e a riqueza desse diálogo cultural”— explica Angelisa Stein.

Outro ponto favorável de “Homens de Barro”  é que ele caminha para a descentralização no cinema nacional e carrega uma forte sotaque gaúcho. O filme foi rodado nos bairros de Belém Novo, Restinga e Lami, zona rural de Porto Alegre, embora seja ambientado em uma pequena cidade, com todos os estigmas que esses povoados alimentam.

"Homens de Barro" é uma tentativa nobre de trazer para o cinema brasileiro uma história de amor que dialoga com uma tragédia clássica, mas com um olhar contemporâneo sobre identidades e preconceitos. Embora o filme tenha seus momentos de brilho, especialmente na direção visual, a narrativa carece de um pouco mais de desenvolvimento.

A Tempestade (The Tempest, Reino Unido, 1979)

"A Tempestade" é uma adaptação cinematográfica da peça shakespeariana homônima, dirigida por Derek Jarman. Conhecido por seu estilo experimental e provocativo, Jarman transforma a narrativa clássica em uma exploração visual e temática que desafia as expectativas convencionais.

O filme mantém a essência da trama de Shakespeare, onde Prospero (Heathcote Williams), o Duque de Milão, é exilado em uma ilha com sua filha Miranda, e utiliza magia para orquestrar uma vingança contra seus inimigos. No entanto, Jarman infunde a história com camadas de simbolismo e crítica social, explorando temas de poder, traição, e a natureza humana. 

Personagens como Ariel, interpretado por Karl Johnson, e Caliban, por Jack Birkett, são apresentados de maneiras que desafiam as normas heteronormativas. Ariel, em particular, é retratado com uma aura andrógina, refletindo uma fluidez de gênero que era rara na representação cinematográfica da época.

O filme impressiona por sua estética, que combina elementos punk e barrocos, criando uma atmosfera distintamente jarmaniana. A ilha não é apenas um cenário; ela é um personagem em si, evocando um mundo onde a natureza e o sobrenatural se entrelaçam. A fotografia, de Peter Middleton, é deliberadamente teatral, com cenas que parecem mais quadros de um pintor do que capturas de câmera.

Jarman utiliza "A Tempestade" para comentar sobre a sociedade contemporânea, especialmente a Inglaterra dos anos 70, com sua mistura de anarquia social e repressão política. A adaptação levanta questões sobre colonialismo, sexualidade, e a liberdade versus controle, temas que Jarman exploraria ao longo de sua carreira. A relação entre Caliban e Prospero pode ser vista como uma metáfora para a opressão e a resistência, enriquecendo a narrativa com uma leitura pós-colonial.

A trilha sonora, muitas vezes minimalista ou ausente, permite que a poesia do texto de Shakespeare ecoe, enquanto os efeitos especiais são usados de maneira a enfatizar o sentido mágico e surreal da peça.O filme é marcado como uma experiência cinematográfica que transcende a simples adaptação, buscando uma conexão direta entre o espectador e a humanidade da obra.

A cena com a música "Stormy Weather" é um momento emblemático que captura a essência do filme tanto em termos visuais quanto emocionais. Interpretada por Elizabeth Welch, essa canção blues de 1933 é usada de maneira brilhante para acompanhar uma sequência onde os personagens navegam pelas águas tumultuosas, literalmente e metaforicamente. A letra de "Stormy Weather", que fala sobre a tristeza e a solidão em dias de tempestade, ressoa com a jornada de Próspero e seus companheiros, refletindo a luta pela redenção e o desejo por paz após o caos.

É inegável que Jarman consegue capturar a essência da peça enquanto a reinterpreta através de sua lente única, fazendo do filme uma obra  de arte tanto quanto um ato de crítica cultural.  Lançado em um momento em que a visibilidade queer estava crescendo, mas ainda enfrentava significativa marginalização, "A Tempestade" se torna uma declaração política. O filme é uma resistência contra a homofobia, oferecendo uma visão alternativa onde a sexualidade não-binária e a diversidade de identidade são celebradas.

Shall I Compare You to a Summer's Day?(Bashtaalak sa'at, Egito/Líbano/Alemanha, 2022)

Do Egito vem o colorido, e provocativo, Shall I Compare You To A Summer's Day?, de Mohammad Shawky, onde numa ode às Mil e Uma Noites um grupo bonito e animado de jovens árabes gays, principalmente egípcios e libaneses, vestidos apenas com roupas íntimas ou menos, contam suas histórias de amor e luxúria, incluindo poesia, animação, canto e performance com nudez.

As histórias são sensuais, comoventes, muitas vezes engraçadas e às vezes tristes. Este é um filme sobre a beleza da linguagem e da narrativa, combinando os idiomas árabe e a inglês e misturando conceitos de arte. 

A obra é uma experiência cinematográfica como poucas, chegando a se assemelhar com os mais experimentais de Derek Jarman. Descrito como um drama romântico queer e um contemporâneo quase musical, o filme de Hassan tem um universo muito próprio.

Inspirado nos diários do cineasta egípcio, as histórias são contadas por meio de monólogos, entrevistas e impressionantes interlúdios artísticos. Esses contos de amor e saudade são transformadas em lindas lendas folclóricas, entrelaçadas com os sons da música pop egípcia.

Apesar da falta de uma narrativa linear, a naturalidade com que Mohammad Shawky Hassan reúne a masculinidade árabe e a identidade queer neste quadro não é vista com frequência no cinema, explorando por meio do conceito situações poliamorosas, tecnológicas e filosóficas.

O espaço indefinível do filme é o Club Scheherazade. Ele é utilizado para a performance da interseção com raça e identidade queer, preservando seu desejo e encontrando um lugar para trazê-lo à tona dentro de um mundo que obriga tais sentimentos a permanecerem ocultos.

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O mais próximo de um personagem central não vem de uma pessoa, mas das palavras onipotentes ditas acima de seu reino de existência: além das citações de Shakespeare que acompanham o título e o início de cada capítulo, estão várias canções e a poesia do poeta libanês-australiano Wadih Sa'adeh.

Embora o amor possa ser intenso e espaços seguros como o Club Scheherazade possam ser um local através do qual a verdadeira identidade ganha vida, a mensagem é que neste território, é apenas uma fuga de um mundo do qual estes homens árabes sentem que devem escapar.

O Fiel Camareiro(The Dresser, Reino Unido, 2015)

Em uma produção de Rei Lear, o ator principal está beirando a insanidade à medida que a idade e o trabalho cobram seu preço. Simplesmente referido como Sir e interpretado por Anthony Hopkins, seu camareiro de longa data, Norman (Ian McKellen), espera por ele. A única recompensa muitas vezes é uma língua afiada e um olhar de desinteresse.

Richard Eyre habilmente dirige O Fiel Camareiro como uma peça dentro de uma peça, ecoando um estilo que serve para enfatizar ainda mais o filme como uma obra de magnífica intimidade de dois homens que expõe suas almas perturbadas e emaranhadas e, ao fazê-lo, torna-se poética sobre o grande propósito imbuído naqueles que sacrificam suas próprias vidas pelo bem de outro.

O Fiel Camareiro é um clássico do entretenimento real, orientado para o desempenho, e com grandes performances de Ian McKellen e Anthony Hopkins liderando esta última versão da peça de Ronald Harwood. O filme vai na jugular teatral desde o início, com uma longa conversa entre o constante assistente de bastidores Norman e a esposa silenciosamente miserável de seu chefe (Emily Watson) que apresenta sem esforço o drama principal.

Norman é o sofredor mas devoto assistente de “Sir”, um outrora poderoso ator que desde então experimentou um severo declínio mental e físico, emergindo como irracional, ininteligível, irascível e inconsolável, às vezes tudo de uma só vez.

Sir é uma força a ser reconhecida na frente do público, fazendo uma performance emocionante em uma pequena encenação regional de Rei Lear, mas sua vida atrás da cortina está desmoronando, acelerada por sua incapacidade de controlar uma mente errante e temperamento feroz.

Norman é a cola dedicada que o mantém unido, e ele passou tanto tempo com o ator que os dois desenvolveram uma codependência que se assemelha a um casamento assexuado de mentes. À medida que conhecemos os personagens, há um sorriso ansioso e uma alegria nervosa nos movimentos de Norman, mesmo enquanto ele observa Sir cambalear descontroladamente à beira da sanidade, o atendente não consegue esconder a sensação de auto-importância que sente ao saber que ninguém mais é tão bom em trazê-lo de volta.

O filme, ambientado durante a Segunda Guerra Mundial, mostra uma noite fatídica em sua companhia, quando uma performance do Rei Lear é realizada no meio de um ataque aéreo, com Sir lutando para se agarrar à relativa lucidez após uma completa confusão mental

Sua Senhoria, como a esposa de Watson é conhecida, é central em seu azedume em relação ao marido e como sua crescente insatisfação por estar ligada a uma presença tão exigente influencia suas próprias ações. Madge (Sarah Lancashire) é a gerente de palco cada vez mais horrorizada com a deterioração de sua estrela, que está tão ancorada em Sir quanto o resto deles, mas tão capaz de esconder as profundezas de sua devoção.

E, no entanto, é a relação entre Norman e Sir, e as cenas em que eles estão isolados, escorregando imediatamente para a cegueira fácil de dois homens que se conhecem além de qualquer medida, que ganham os holofotes. O Fiel Camareiro eleva-se nos pontos fortes desses personagens, escritos desde o início com profundidade brilhante e veracidade dolorosa por Harwood e incorporados na tela com dinamismo de tour-de-force por dois dos melhores atores vivos atualmente no cinema.

À medida que O Fiel Camareiro preenche seu tempo de execução de duas horas, impressiona mais pela forma como simultaneamente oferece às suas estrelas uma vitrine verdadeiramente excepcional e funciona como um hino instigante ao próprio meio de desempenho sem se desviar para o excesso.