O Senhor dos Mortos(The Shrouds, França/Canadá, 2024)

“The Shrouds", de David Cronenberg, é um soco na mente, um filme que troca o body horror escancarado por um horror psicológico que rasteja devagar e te pega desprevenido. Vincent Cassel é Karsh, um viúvo que cria uma tecnologia pra espiar cadáveres no caixão, bem mórbido mesmo, e o terror não tá na carne rasgada, mas no vazio que o consome enquanto ele tenta segurar o que sobrou da esposa Becca (Diane Kruger). É sobre luto, sim, mas também sobre identidade se desfazendo, e isso já acende um farol para uma leitura queer que desafia as convenções.

Não rola bandeira arco-íris na tela, é lógico, mas “The Shrouds” tem subversão nas entrelinhas. Karsh tá preso num amor que não cabe nas gavetinhas hétero: ele deseja Becca morta, flerta com Terry (também Kruger), e essa tech que ele usa pra “ver” o corpo dela é quase uma amante que borra tudo — homem/mulher, vivo/morto. A tecnologia aqui rompe o binarismo, vira um portal pro desejo sem manual, e Cronenberg joga isso na cara com um sorriso torto. É queer no sentido de quem não se encaixa, e isso é puro fogo.

O horror, diferente do clássico Cronenberg, é mais cabeça que corpo. Nada de vísceras explodindo, o pesadelo tá nos silêncios, nos monitores mostrando Becca apodrecer enquanto Karsh se apaga junto. Comparado com “Videodrome", onde a carne virava máquina, aqui a máquina reflete a alma, e o clima é de um terror íntimo que sufoca.

E tem fetiche, claro, porque Cronenberg não vive sem. Quem viu “Crash” vai sacar o paralelo: lá, o tesão vinha de carros destruídos; aqui, é a morte virando voyeurismo digital. Karsh encarando as mortalhas tem aquela energia de desejo que não explica, só existe, frio, estranho e hipnotizante. É o mesmo impulso esquisito que o diretor sempre cutuca, mas agora misturado com um luto que deixa tudo mais desconfortável e, ao mesmo tempo, humano.

Na parte técnica, o filme é um deleite. A fotografia de Karim Hussain (“Possessor") é gelada, com cinzas e azuis que parecem um necrotério futurista, e foca nos detalhes, os sudários brilhando, o rosto de Cassel em colapso. A direção de arte cria cemitérios que são puro sci-fi minimalista, e o som, todo contido, amplifica o silêncio da morte. Cronenberg tá no comando, mas com um refinamento que surpreende, entregando um visual que é estéril e sufocante na medida certa.

No fim, “The Shrouds" é Cronenberg em essência: torto, profundo e transgressor. Não é pra quem quer tudo mastigado, mas pra quem topa mergulhar num desejo que desafia normas e numa tech que vira espelho da alma. A lente queer vê Karsh como alguém que ama além do óbvio, e a troca do body horror por algo mais psicológico mostra um diretor que ainda sabe reinventar.

Crash: Estranhos Prazeres (Crash, Reino Unido/Canadá, 1996)

James Ballard (James Spader), diretor de vídeos de segurança no trânsito, após um acidente de carro descobre através da viúva do outro motorista (Holly Hunter) uma comunidade liderada por Vaughan (Elias Koteas), um homem obcecado por acidentes famosos, dedicado à busca. pelo prazer através da energia sexual gerada pelos desastres automobilísticos. Ele lidera sua esposa (Deborah Kara Unger) nessa busca que tende a extremos.

O filme de David Cronenberg é baseado no romance homônimo do autor britânico JG Ballard, cujas visões do futuro são tão incômodas que por muito tempo foi considerado  impossível de ser filmado: suas 240 páginas estão repletas de violência sexo explícito.

A versão de David Cronenberg, não é apenas um filme; é uma experiência visceral , uma descida aos espaços  mais sombrios do desejo humano, onde os limites entre prazer e dor, beleza e mutilação, tornam-se  borrados. Crash se aprofunda profundamente abaixo da superfície da moralidade convencional, explorando a intersecção perturbadora de tecnologia, morte e uma forma singular de despertar sexual.

A exploração inflexível da parafilia, especificamente da sinforofilia, é um dos seus aspectos mais chocantes e atraentes. Cronenberg não se intimida com a representação gráfica da excitação decorrente de acidentes de carro, forçando o público a confrontar a realidade perturbadora desses desejos.

Os personagens, se envolvem em uma série de encontros cada vez mais perigosos e incômodos, confundindo as linhas entre prazer e dor, consentimento e exploração. Eles procuram acidentes, recriam acidentes famosos e até mesmo infligem ferimentos a si mesmos, tudo em busca de uma experiência sexual intensa.

Crash também se aprofunda no body horror, uma marca registrada da filmografia de Cronenberg. O filme encontra uma beleza perversa na carne mutilada e nos ossos quebrados, justapondo o fascínio da forma humana com a realidade grotesca de sua vulnerabilidade. Cicatrizes se tornam símbolos eróticos. O filme desafia noções convencionais de beleza, sugerindo que o desejo pode ser encontrado nos lugares mais inesperados e até repulsivos.

O longa não oferece respostas fáceis ou julgamentos morais, em vez disso, ele apresenta um retrato severo e inquietante do desejo humano em sua forma mais extrema e não convencional. Ele nos força a questionar a natureza do consentimento, os limites da autonomia pessoal e até onde os indivíduos irão na busca pelo prazer.

Raça das Trevas(Nightbreed, Canadá/Reino Unido/EUA, 1990)

Raça das Trevas,, é um estranho conto retirado do livro Cabal, do também diretor Clive Barker. É a história de um homem chamado Aaron Boone(Craig Sheffer) que tem sonhos com monstros; monstros que vivem num lugar chamado Midian.

Boone consulta seu psiquiatra, interpretado por um assustador David Cronenberg, sobre essas visões estranhas que ele tem durante o sono, o psiquiatra então explora as alucinações de Boone saindo e matando as pessoas que ele descreveu.

Após o sucesso estrondoso de Hellraiser, Barker garante que a presença de David Cronenberg empreste nobreza a um filme diferente de tudo o que ele faria. Há sustos, mas eles parecem incidentais à construção do mundo de uma sociedade subterrânea governada por leis rígidas e um código de conduta cruel.

O que torna Raça das Trevas tão diferente é que existem duas histórias separadas que são tecidas em um único fio extremamente dramático. De um lado está o psiquiatra. Ele está à procura da cidade de Midian e percebe que a única maneira de encontrá-la é através de Boone e seus pesadelos. Ele também está satisfazendo sua fome de matar usando Boone para escolher suas próximas vítimas.

Do outro lado temos Boone. Um homem normal que tem sonhos fora do normal. Ele tem visões de Midian em seu sono, o que o leva a Decker. Depois que ele é e é introduzido e vive o resto de sua vida imortal com o resto da raça noturna em Midian, as duas histórias se combinam. A esposa de Boone, Lori, vai em busca dele e Decker está logo atrás.

Notável é o trabalho de efeitos práticos. Todas as criaturas são visualmente impressionantes e a maioria sem falhas. Especialmente os Bezerkers que parecem tão mesquinhos e cruéis como os Cenobitas. A maioria parece séria, embora haja fatores cômicos para eles, o que adiciona um toque agradável ao filme.

O filme é atmosférico e nada lógico. Como outras histórias de Barker, é uma representação do inferno e da loucura. É muito estilístico, vividamente iluminado.É violento e assustador também. Os atores fazem um trabalho estrondoso com um roteiro com algumas áreas cinzentas. A trilha sonora é executada por Danny Elfman que, multiplica o valor da produção.

Por trás de todas as criaturas e cenas assustadoras e grosseiras há uma tragédia com muitas emoções. Parece um conto de fadas sombrio misturado com elementos de terror familiares.  É uma obra muito original, porém, e há um subtexto satisfatório, embora óbvio, sobre como as pessoas são os verdadeiros monstros.

Gêmeas: Mórbida Semelhança(Dead Ringers, EUA, 2023)

Em 1988,  David Cronenberg perturbou o mundo com Gêmeos - Mórbida Semelhança, um clássico do terror sobre ginecologistas, interpretados por Jeremy Irons, intrigados pela anatomia feminina. Trinta e cinco anos depois, a showrunner Alice Birch enfrenta o horror corporal pouco ortodoxo de Cronenberg com sua adaptação episódica.

Rachel Weisz interpreta Beverly e Elliot Mantle, ginecologistas gêmeas que querem revolucionar a forma como as mulheres dão à luz. Elas querem construir um centro de parto de última geração que não apenas ofereça o melhor atendimento possível às mães, mas também seja pioneiro em pesquisas sobre fertilidade.

Embora ambas sejam médicas altamente inteligentes não apenas com um rosto igual, mas um corpo e a vagina, as Mantles não poderiam ser mais diferentes. Elliot adora beber, usar drogas, festejar e fazer sexo com estranhos em banheiros de clubes. Ela é glamorosa, mas instável, controladora e manipuladora.

Beverly, por outro lado, é tímida quase ao extremo, e singularmente focada em seu trabalho. Ela está bem em estar sob o controle, até que conhece, a atriz de TV, Genevieve (Britne Oldford), com quem vive um romance tão tórrido quanto complicado.

A partir daí, a série, de seis episódios, narra sua jornada para abrir centros de parto, o desejo de controle de Elliot, a luta de Beverly para ser ela mesma. Enquanto tudo está enraizado na ciência, a atração realmente mostra o horror da codependência das gêmeas, na própria descida do pesadelo de Beverly à loucura e em mostrar explicitamente a sangrenta realidade do parto.

Contrastando com o horror está a produção imaculada e a cenografia de Erin Magill e Adam Scher. Cada apartamento, mansão e quarto de hospital é construído com uma incrível atenção aos detalhes, fazendo com que tudo pareça habitado e estranho.

Weisz cria com tanta habilidade duas personagens muito diferentes que estão fortemente ligadas não apenas pelo DNA, mas por suas obsessões compartilhadas. À medida que os episódios progridem e as amarras de Beverly com a realidade começam a se desgastar, embarcamos juntos nos jogos mentais de ambas protagonistas.

O nascimento é um tema intrinsecamente complexo. Ele está ligado ao status socioeconômico e à raça, bem como à identidade de gênero. Embora Dead Ringers aborde muitas dessas complexidades, ainda é uma série focada na feminilidade biológica e na capacidade de conceber.

Dead Ringers é uma experiência complexa, perturbadora e surpreendentemente bela que enriquece o texto original com uma adaptação incrivelmente queer e feminina que não tem medo de dar voz às mulheres.

Alice Birch, que escreveu a série, tem clara reverência pela obra de Cronenberg, ao romance original Twins, de Bari Wood e Jack Geasland enquanto ao mesmo tempo deixa sua própria voz aparecer. Tornar as irmãs gêmeas Mantle em vez de irmãos e também injetar homossexualidade mais explícita na história abre uma nova camada de narrativa sobre gênero, sexismo sistêmico no parto, maternidade e gravidez.

TOP 100 - 59 AO 50

 59 -  Adeus, Minha Concubina(Bàwáng Bié Jī, China, 1993)

Adeus, Minha Concubina, de Chen Keige, contém praticamente dois filmes juntos: um épico que abrange meio século da história chinesa moderna e um melodrama sobre a vida nos bastidores da famosa Ópera de Pequim. O filme flui com tal urgência que todas as suas conexões parecem lógicas. E é filmado com tal esplendor visual que possíveis objeções são postas de lado. Encontramos o delicado Douzi (Leslie Cheung), que é designado para o papel da concubina em uma famosa ópera tradicional, e o mais masculino Shitou (Zhang Fengyi), que fará o papel do rei. 

58 - A Criada(아가씨, Coréia do Sul, 2016)

Coreia dos anos 1930, no período de ocupação japonesa, uma nova garota (Sookee) é contratada como criada para uma herdeira japonesa (Hideko) que vive uma vida isolada em uma grande propriedade rural com seu tio dominador (Kouzuki). Mas a empregada tem um segredo. Ela é uma batedora de carteiras recrutada por um vigarista que se faz passar por um conde japonês para ajudá-lo a seduzir a Senhora para fugir com ele, roubá-la de sua fortuna e trancá-la em um hospício. Mas nada é o que parece no filme, de Park chan Wook, e o plano parece seguir de acordo com o planejado até que Sookee e Hideko descobrem algumas emoções inesperadas.

57 -C.R.A.Z.Y. - Loucos de Amor(C.R.A.Z.Y., Canadá, 2005)

Nascido no dia de Natal de 1960, Zac Beaulieu é o quarto dos cinco filhos de Gervais e Laurianne Beaulieu. Zac se sente um tanto desconectado de seus irmãos, todos diferentes uns dos outros. Para sua devota mãe católica, Zac é seu filho milagroso, tanto por ter nascido no mesmo dia que Jesus Cristo. Mas Zac quer mais agradar seu pai, que quer mais do que tudo em seus filhos que eles cresçam para serem homens e não bichas. Enquanto Zac passa do meio da adolescência para o início dos vinte anos, Zac só quer se livrar dos pensamentos subjacentes que ele tem e que a maioria tem na puberdade, mas que para ele estão se tornando mais prevalentes à medida que envelhece, nessa pequena obra prima do saudoso cineasta canadense Jean-Marc Vallée.

56 - Retrato de uma Jovem em Chamas(Portrait de la jeune fille en feu, França, 2019)

A diretora Céline Sciamma, foi premiada em Cannes pelo roteiro de seu Retrato de uma jovem em Chamas e indicada ao Globo de Ouro de Filme Estrangeiro, por essa obra prima.  A trama se passa em 1770, quando  Marianne (Noémie Merlant) é contratada para pintar o retrato da jovem Héloïse (Adèle Haenel), para que seja avaliado por um futuro pretendente. Durante o processo as duas acabam desenvolvendo uma delicada e sexual relação que é construída por meio de muito simbolismo e uma feminilidade que se tornou a marca registrada da diretora.

55 - Minha Vida em Cor-de-Rosa(Ma vie en Rose, Bélgica, 1997)

Em 1997, o diretor belga Alain Berliner realizou aquele que provavelmente seria o primeiro filme sobre uma criança transgênero: Minha vida em cor-de-rosa, e fez isso usando tanto o ponto de vista infantil numa esfera de sonho e inocência, quanto a perspectiva de adultos: a sociedade. A obra lhe garantiu um Globo de Ouro.

54 - Mistérios e Paixões(Naked Lunch, Canadá/Reino Unido/Japão, 1991)

William Lee(Peter Weller) é um exterminador de insetos. Ele mora com sua esposa, Joan(Judy Davis), que está injetando inseticida nos seios, em um pequeno apartamento, em Nova York. Estamos em 1953. Lee também se vicia no pó que usa para asfixiar baratas. William S. Burroughs é o autor do romance semi-biográfico, do qual o diretor canadense David Cronenberg adaptou o roteiro. Ícone da chamada Geração Beatnik, ele escreveu sobre sexo e drogas de uma forma que chocou a década de 1950, e além.

53 - A Morte e Vida de Marsha P. Jonhson(The Death and Life of Marsha P. Johnson, EUA, 2017)

O documentarista David France apresenta  em A Morte e a Vida de Marsha P. Johnson, a história da icônica ativista de Stonewall e militante amada do Greenwich Village. O filme traz uma perspectiva macro dos direitos LGBTQIAP+  e realmente conta uma grande trajetória. Johnson, que morreu em 1992, e que a polícia declarou como suicídio depois que seu corpo apareceu perto do cais da Christopher Street, era uma mulher trans que nasceu Malcolm Michaels, em 1945 .

52 -Me Chame pelo seu Nome(Call me by your name, França/Itália, 2017)

O filme, de Luca Guadagnino, é um conto sensual e transcendente do primeiro amor, baseado no aclamado romance de André Aciman. É o verão de 1983 no norte da Itália, e Elio Perlman (Timothée Chalamet), um jovem, de 17 anos, passa seus dias na villa do século XVII de sua família escrevendo e tocando música clássica, lendo e flertando com sua amiga. Embora a sofisticação e os dons intelectuais de Elio sugiram que ele já é um adulto de pleno direito, há muito que ainda permanece inocente e informe sobre ele, principalmente sobre assuntos do coração. Um dia, Oliver (Armie Hammer), um estudante universitário americano trabalhando em seu doutorado, chega como estagiário anual de verão encarregado de ajudar o pai de Elio. Em meio ao esplendor ensolarado do cenário, Elio e Oliver descobrem a beleza inebriante do despertar do desejo ao longo de um verão que mudará suas vidas para sempre.

51 - O Lugar sem Limites(El lugar sín limites, México, 1978)

Honra familiar, ganância, machismo, homofobia e os sonhos de prostitutas colidem em uma cidade mexicana. Em O Lugar sem Limites, baseado no obra de José Donoso, o rico e idoso Don Alejo está prestes a vender a cidade com lucro, precisando apenas comprar um bordel para possuir todos os prédios e fechar o negócio. É propriedade de Manuelita e sua filha: Manuelita é travesti, envelhecida. A volta de Pancho complica as coisas. No elenco da obra prima do mexicano Arturo Ripstein, medalhões do cinema daquele país, como Fernando Soler, Ana Martín, Lucha Villa e Roberto Cobo.

50 -  Minha Adorável Lavanderia(My Beautiful Laundrette, Reino Unido, 1985)

Na obra, de Stephen Frears, grande parte da família paquistanesa Hussein se estabeleceu em Londres, lutando pelas riquezas prometidas pelo 'thatcherismo'. Nasser e seu braço direito, Salim, têm vários pequenos negócios, enquanto isso, seu irmão, o alcoólatra Ali, que já foi um famoso jornalista no Paquistão, mora em um apartamento decadente com seu filho, Omar. A vida de Ali em Londres não é tão lucrativa em parte por causa de sua política de esquerda, que não combina com os ideais do thatcherismo. Para ajudar seu irmão, Nasser dá a Omar um trabalho braçal. Mas Omar, com planos maiores, convence Nasser a deixá-lo administrar a lavanderia decadente de Nasser. Omar aproveita o que vê como uma oportunidade de tornar a lavanderia um sucesso e contrata um velho amigo, Johnny, o jovem Daniel Day Lewis, - que recentemente andou por aí com uma gangue de punks. Johnny e Omar têm um relacionamento especial, mas que passou por altos e baixos fomentados pelos sentimentos anti-imigração da Inglaterra de Margareth Tatcher.

PARTE 1 - 100 AO 90
PARTE 2 - 89 AO 80
PARTE 3 - 79 AO 70

PARTE 4 - 69 AO 60

PARTE 5 - 59 AO 50 PARTE 6 - 49 AO 40

PARTE 7 - 39 AO 30

PARTE 8 - 29 AO 20

PARTE 9 - 19 AO 11

PARTE 10 - 10 AO 01

Mistérios e Paixões(Naked Lunch, Canadá/Reino Unido/Japão, 1991)

William Lee(Peter Weller) é um exterminador de insetos. Ele mora com sua esposa, Joan(Judy Davis), que está injetando inseticida nos seios, em um pequeno apartamento, em Nova York. Estamos em 1953. Lee também se vicia no pó que usa para asfixiar baratas. 

William S. Burroughs é o autor do romance semi-biográfico, do qual o diretor canadense David Cronenberg adaptou o roteiro. Ícone da chamada Geração Beatnik, ele escreveu sobre sexo e drogas de uma forma que chocou a década de 1950, e além.

No filme, Lee também é escritor, embora diga a seus amigos que desistiu. Ele está escrevendo Naked Lunch, um romance cômico de estranha intensidade. Hank(Nicholas Campbell) e Martin(Michael Zelnicher) discutem no restaurante sobre técnicas criativas e depois vão ao apartamento de Lee, quando ele sai para ler poesia, transar com sua esposa.

Cronenberg incorpora elementos de ficção científica na vida cotidiana, como se eles sempre estivessem lá. Ele é conhecido como o mestre da mutação, com choques terror de culto e horror corporal. Sua imaginação é precisa. Ele investiga a paranoia com objetividade cirúrgica e aceita a alucinação como a norma conceitual do subconsciente.

Lee é preso por posse de drogas e levado para uma pequena sala na delegacia, onde explica que a "substância ilegal" é pó de inseto. Os policiais abrem uma caixa de papelão e a colocam sobre a mesa. Dentro há um besouro gigante cujo corpo, protegido por asas de ébano, é um ânus de lábios rosados. O ânus fala com Lee e diz a ele que sua esposa é uma agente da Interzone.

Com a ajuda de seus amigos e uma criatura chamada Mugwump (dublado por Peter Boretski), Bill viaja para a cidade fictícia de Interzone, no norte da África. O uso de drogas de Bill aumenta constantemente e sua realidade se torna cada vez mais distorcida.

Antes de Bill partir para a Interzone, ele se senta no bar com Kiki (Joseph Scorsciani), um jovem gay. Esta cena começa com Bill tossindo várias vezes. Kiki o observa por alguns momentos, então pergunta: “Você é bicha?  Kiki é muitas coisas, inclusive 'bicha'.  Ele é como a extensão e expressão personificada do desejo de Bill por outros homens, em sua forma mais terna e inocente

Burroughs questiona a definição da realidade, a relevância dos códigos morais e os perigos absolutos. Seu porta-voz anuncia: "A homossexualidade é o melhor disfarce que um agente já teve". Ele é o amante do disfarce e Cronenberg aprecia tal relação. Quando uma máquina de escrever abre sua vulva para as carícias do operador, é um ato de cumplicidade sensual.

O diretor criou um método de materializar a obsessão do escritor. A máquina de escrever de Lee torna-se um clone do besouro do ânus, um inseto falante e rastejante que é vivo, volátil e teimoso. Quando ele pega emprestado um modelo mais sofisticado de um escriba bissexual residente, cuja esposa se parece com Joan, sua máquina rejeitada a ataca e a destrói.

Há muita conversa sobre relações sexuais livres tanto heterossexual quanto homossexual. Há também sexo com insetos alienígenas e coisas que parecem nojentas para o filme se assumir como grotesco. O mundo lisérgico de Mistérios e Paixões está repleto de personagens que abrigam desejos ambivalentes e esses desejos são sempre expressos de maneira surreal.

A ambiguidade de Bill, ou seja, seu fascínio e medo da sexualidade permeia o filme e é retratado através de imagens alucinatórias, às vezes monstruosas. Mas sob a irrealidade da obra está uma história sobre culpa, negação e confusão depois de ferir alguém que você ama de maneira fatal. É sobre um homem que luta para carregar um fardo insuportável enquanto ainda preserva seu amor silencioso por uma mulher que perdeu.

Mapas para as Estrelas(Maps to the Stars, Canadá/EUA, 2014)

O nome de David Cronenberg é quase um sinônimo de horror corporal. Mas Mapa Para as Estrelas é o tipo de horror com um dano humano metafórico. O filme é esculpido no coração de Hollywood, apresentando-nos a um conjunto de estrelas, aspirantes e veteranos, cujas vidas colidirão em um clímax fatídico.

Havana Segrand (Julianne Moore) é uma atriz egocêntrica que não suporta o fato de que sua fama está desaparecendo. Ela procura a ajuda do psicoterapeuta/guru das estrelas Stafford Weiss (John Cusack), um idiota igualmente egocêntrico.

Seu filho, Benjie (Evan Bird) é um viciado em drogas, estrela infantil, mistura de Macaulay Culkin com o jovem Justin Bieber, que tem a vida administrada pela mãe Christina (Olivia Williams). A vida dessas pessoas hipócritas e aparentemente bem-sucedidas será virada de cabeça para baixo com a chegada da misteriosa Agatha (Mia Wasikowska).

A garota de aparência amigável, porém coberta de cicatrizes, aceita um emprego como assistente pessoal de Havana, apenas para se descobrir carregando um segredo obscuro. A pessoa mais normal neste show de horrores é Jerome Fontana (Robert Pattinson), um motorista de limusine esperando por sua descoberta como roteirista.

O roteiro de Bruce Wagner é uma peça de cinismo que, de maneira nada sutil, faz pouco caso da aparência glamorosa da vida luxuosa de Hollywood. Duro e amargo, evocando clássicos como Crepúsculo dos Deuses(1950) ou até mesmo Showgirls(1995).

Mapas para as Estrelas é satírico, levando a auto-obsessão, e a cura no desejo pela fama de Hollywood a lugares absurdos e um final de cair o queixo. E por mais sombrio que isso pareça, vê-los correndo em direção a isso é surpreendentemente divertido e, às vezes, comovente.

Juliane Moore é aclamada pelos riscos que corre no cinema. Aqui ela vai ficar nua, vai fazer sexo com homens e mulheres. Ela vai dizer coisas horríveis como o roteiro exige. Com seu cabelo descolorido cruelmente, natureza petulante e ilusões deliberadas, Havana Segrand é egoísta. Ela é vil. Ela não mede consequências.

Mapas para as Estrelas é desafiador e ousado. Claro que é David Cronenberg, que se diverte em dar ao público algo doentio e faz desta vez com um olhar crítico para as celebridades e sua sede por sucesso, o que contribui para um demente, mas  extremamente espirituoso, mítico, macabro e impiedoso filme. 

Arrebato(Espanha, 1979)

Declarado por Pedro Almodóvar como um de seus filmes favoritos, e fonte de inspiração para o roteiro e cenas de A Lei do Desejo(1987) e Dor e Glória(2019), Arrebato, de Iván Zulueta é um filme de terror psicológico, que se tornou um clássico cult em seu país por um motivo: seu homoerotismo, mesclado com o uso de drogas pesadas, impulsiona uma viagem fantasmagórica onde o cinema é um vampiro que drena a alma.

O celuloide sob inspeção na sala de montagem exibe os últimos frames da última produção de baixo orçamento do cineasta José Sirgado, Eusebio Poncela, que anos depois estaria em A Lei do Desejo. Ele é um diretor de filmes de terror, que discute com seu editor por um final abrupto. Teimoso e insatisfeito, o contador de histórias vai para casa, sem saber do pacote tenebroso que ali o espera.

José é um usuário de cocaína e heroína. Sua namorada Ana, Cecilia Roth de Tudo Sobre Minha Mãe(1999), também consumidora de pós ilegais, incentiva e participa do comportamento autodestrutivo do cineasta.

Em meio a um episódio de frustração entorpecida, ele ouve a fita que veio pelo correio de um conhecido intrigante. A voz é de Pedro (Will More), um homem excêntrico, de quase trinta anos, que aparece e se comporta como se fosse muito mais jovem. Sua narração das ocorrências inomináveis ​​envia a história em um flashback significativo de como eles se conheceram. Zulueta processa a narrativa como parte de uma alucinação em todos os momentos, persuadindo o espectador a aceitar que estamos em um mundo distorcido, onde a realidade lentamente desaparece em segundo plano.

Pedro patologicamente capta lapsos de tempo de tudo ao redor de seu domínio usando uma câmera Super 8. Conhecer José, que ele percebe como um verdadeiro cineasta da capital, serve de dose de inspiração para o adolescente perturbado preso em um corpo enganador. O "arrebato" ao qual ele se refere tão veementemente se refere ao estado de transe que o atinge ao filmar pessoas, lugares e coisas que ele nunca viu antes; quando os narcóticos o levam a um êxtase semelhante, ou quando ele está perto de uma memória tangível (um brinquedo ou um adesivo da infância) que preserva sua capacidade juvenil de maravilhar-se.

A mensagem é um aviso e um convite. Zulueta não explica a mecânica precisa das ocorrências sobrenaturais que debilitam Pedro lenta mas implacavelmente, nem a verdadeira natureza de seu interesse mútuo - e isso aumenta nossa perplexidade. Visualmente fundamentado na desordem da casa de um viciado funcional e aprimorado pela textura e iluminação familiares a muitas obras daquele período, até mesmo os movimentos mais estranhos envolvendo objetos sencientes evocam a estética do canadense David Cronenberg.

A paixão pelo cinema vive em Arrebato como um fantasma que se alimenta da energia de quem precisa para se compreender através dos momentos que se eternizam. Sabendo disso, Pedro é incapaz de se afastar, totalmente submisso às vontades da encarnação física do imaginário. Um close de uma agulha perfurando a pele, junto com os truques de edição aumentam a atmosfera do outro mundo. Esta é uma narrativa retirada das vísceras.

O filme possui uma estética pop e representações descaradas de sexualidade indefinida e vícios escandalosos. Arrebato invoca o cinema como uma entidade sobrenatural que possui algo tão viciante quanto às substâncias que alteram a mente. A própria câmera é uma aparição que devora a força vital daqueles extasiados em seus poderes. É um filme sobre se perder para o poder perigosamente entorpecedor de experimentar a vida em um nível diferente de consciência, seja quimicamente induzido ou através de uma lente. 

Ainda há Tempo(Falling, Canadá, EUA, Reino Unido, 2020)

Viggo Mortensen sempre foi uma presença louvável no cinema, seja pela trilogia do Senhor dos Anéis, suas colaborações com David Cronenberg ou sua atuação formidável no ganhador do Oscar, Green Book. Agora ele escreve e dirige seu primeiro longa, um trabalho realmente valioso trazendo um olhar sombrio e amargo sobre o fim da jornada da demência.

O diretor transita em meio à dores de família, para contar a história de Willis, o ator veterano Lance Henriksen, que sofrendo de algum tipo de alzheimer precisa viajar com o filho Jonh(Mortensen) para Los Angeles, onde vive com o seu parceiro Eric(Terry Chan) e a filha Monica(Gabby Velis).

A atitude completamente homofóbica, misógina, racista e xenófoba, pois Eric é asiático, de Willis é desconcertante. A crueldade de suas frases são profundas, porém os personagens não estão permitidos a revidar pois o comportamento demencial é justificado.

Todo um passado flui sob este presente angustiante como uma corrente subterrânea: o das memórias de Willis - e as de John e Sarah, a irmã caçula. Sverrir Gudnason interpreta o jovem Willis, que nervoso e inseguro mostra que apesar de difícil como pessoa, nem sempre foi um monstro.

Hannah Gross interpreta Gwen, sua jovem esposa sensível, que chora com os LPs de Chopin; e Bracken Burns interpreta Jill, a mulher por quem ele deixa Gwen, uma madrasta cautelosa para as crianças ressentidas e desnorteadas.

Um dos grandes momentos do filme, é quando a irmã Sarah, em uma atuação forte de Laura Linney, almoça com sua família, enquanto o pai grita e rosna seus insultos e zombarias para os filhos, os netos e quem mais estiver por perto.

Ocasionalmente, há humor negro. O professor David Cronenberg tem uma participação especial como proctologista, que precisa fazer um exame retal no idoso, que faz todos os tipos de piadas de mau gosto sobre a sexualidade de seu filho.

No fim, Falling é uma história sobre família e a deterioração que uma fatalidade, como uma doença, pode trazer à tona. O longa é certamente pautado nas grandes atuações de Mortensen e Henriksen, que com toda sua arrogância rabugenta e autodestrutiva é puro autoritarismo. A sexualidade do protagonista acaba ficando em segundo plano, mas serve como ponte para momentos muito significativos de intolerância e homofobia. 

Amor e Restos Humanos(Love and human remains, Canadá, 1993)

Uma cena, numa boate, ao som do clássico Rhythm is a Dancer, define o quão anos 1990 esse filme é. Dirigido pelo consagrado diretor canadense, Denys Arcand, de As Invasões Bárbaras e O Declínio do Império Americano, o filme já começa de logo causando estranheza com um ritual sadomasoquista.

Com roteiro de Brad Fraser, a partir de uma peça sua, Amor e Restos Humanos, traz mistério, desejo e diálogos ácidos, referências múltiplas, como à Um Estranho no Ninho numa das cenas, e divagações sobre amor e sexo.

David, Thomas Gibson, um ex apresentador gay que agora trabalha como garçom e Candy, Ruth Marshall, uma garota amargurada cansada dos homens que quer ter uma experiência lésbica, dividem o apartamento. Por lá rola sexo, drinks, cocaína e muita música.

Com uma certa atmosfera, do também canadense David Cronemberg, Arcand nos apresenta uma subtrama, de um serial killer que estampa as manchetes dos jornais, porém que é sempre deixado de lado até encontrar com a trama principal.

David é extremamente sedutor, um personagem provocativo e instigante, que convive com a decadência na carreira por ter assumido sua homossexualidade, ele faz uns bicos bizarros de sexo não convencional com a ousada Benita. Já Candy, começa a experimentar um romance feminino com uma apaixonada colega, porém não se satisfaz.

Os dois personagens se complementam, são egocêntricos, dúbios e deixam destroços por onde passam. O clima noturno, com cenas em clubs e boates, dá à obra um tom de luxúria e evidencia as referências à literatura beatnik. A busca enraivecida por satisfazer desejos é o fio que conduz essa trama. Obscuro e pesado, o filme é como o símbolo de uma geração cheia de vícios, perversões e medos. O longa de Denys Arcand desconstrói o amor romântico e nos oferece um thriller cheio de símbolos LGBTQIA+, sarcasmo e uma boa dose de inspiração e ousadia.